von Asokan Nirmalarajah

„Lars… von… Trier…!“ entfuhr es den Lippen eines fassungslosen Zuschauers auf der Deutschlandpremiere von Antichrist (2009), dem jüngsten Werk des dänischen Filmemachers. Und als wäre mit dem pseudo-adligen Namen des provokanten Autorenfilmers schon alles gesagt was im Anschluss an die wohl brutalste, drastischste Szene des Films zu sagen wäre, ging ein zustimmendes, nervöses Lächeln durch den Saal. Nur ein Auteur wie von Trier, so der implizite Konsens des Publikums, würde einen derart verstörenden Akt der Selbstverstümmelung in einer Nahaufnahme einfangen und es dabei noch mit einem künstlerischen Anspruch legitimieren können (wie immer dieser auch aussehen mag). Dieser Wagemut des Regisseurs provozierte auch ebensoviel Abscheu wie Faszination, Entsetzen wie Bewunderung bei der internationalen Kritik als der Film im Mai dieses Jahres auf den Filmfestspielen von Cannes seine Weltpremiere feierte. Den vorläufigen Höhepunkt erreichte die Hysterie der Presse um den Film dann als ein Journalist von dem Regisseur forderte, er solle sich für seinen Film rechtfertigen, worauf von Trier erklärte, er müsse sich für nichts rechtfertigen, und gewohnt ironisch-provokativ verlauten ließ, er sei doch der beste Regisseur der Welt.

Wie die früheren Arthouse-Erfolge von Triers, der trotz (oder gerade wegen) aller Kontroversen um die kalkulierten, aber narrativ meist organischen Tabubrüche seiner Filme zu den aufregendsten, originellsten Regisseuren der letzten zwanzig Jahre zählt, spaltet auch Antichrist die Zuschauer bislang in zwei unvereinbare Lager. Während ebenso unangenehme wie eindrucksvolle Filme wie Breaking the Waves (1996), Idioterne (1998), Dancer in the Dark (2000) und Dogville (2004) nach anfänglicher Kontroverse recht schnell als meisterhafte Filmexperimente Akzeptanz fanden, wird immer noch darüber gestritten, ob Antichrist nun der beste, weil kompromissloseste oder der schlechteste, weil unsinnigste Film des enfant terrible ist. Sieht man mal von dem Teil des Publikums ab, das vorzeitig aus den Kinosälen rannte oder gleich vor der Leinwand in Ohnmacht fiel, dann gibt es auf der einen Seite diejenigen, die in dem für von-Trier-Verhältnisse mit 100 Minuten Spielzeit relativ kurzen Film all die Elemente vereint sehen, die dem Arthouse-Film seinen schlechten Ruf als prätentiöses Feingeistkino beschert haben. Auf der anderen Seite stehen die enthusiastischen Befürworter des Films, die nur zu gerne die doch recht originelle Symbolik des Films sezieren und sich in Debatten über die verschiedenen Bedeutungsebenen des Films verlieren. Der einzige Konsens über den Film besteht momentan wohl darin, dass er eine derart ungeheure psychologische Wirkung auf seine Zuschauer ausübt, dass es einem nicht leicht fällt zu beurteilen, ob der Film nun im konventionellen Sinne ein guter, also ein interessanter und unterhaltsamer Film ist.
Um diese Frage gleich vorweg zu beantworten: Antichrist ist kein guter Film. Aber, und das muss man ihm wohl zugute halten, er ist auch kein einfacher Film, der sich beim Zuschauer anbiedert. Es handelt sich hier um den ambitionierten und sehr mutigen Film eines immer noch sehr interessanten und spannenden Künstlers, der hier leider (oder mit voller Absicht?) am Ziel vorbeischießt. Was das Ziel des Films eigentlich ist oder ob die Frage nach einem Ziel der unkonventionellen Natur des Film überhaupt gerecht wird, ist wieder eine andere Frage. Feststellen lässt sich nur, dass die erste Hälfte von Antichrist ein langweiliges, kammerspielartiges Ehedrama ist, das in der zweiten Hälfte zu einem grotesken, absurden Psychodrama ausartet, in der sich Elemente aus der mittelalterlichen Mythologie, aus der Tierfabel und dem torture porn der letzten Jahre auf sehr irritierende Art und Weise die Hand reichen. Trotz einer beachtlichen internen Logik, die sich beim weiteren Reflektieren über den Film überraschend erhärtet, gerinnt diese sehr bedacht konstruierte Mixtur aus Versatzstücken eines konventionellen Horrorfilms und dem prätentiösen Bedeutungsanspruch eines Kunstfilms dabei nicht selten zu einer unfreiwillig komischen Parodie seiner selbst. Natürlich bestachen selbst die emotional bedrückendsten Filme von Triers stets über eine gewisse augenzwinkernde Ironie, doch der sich in seinem Anspruch und seiner Umsetzung oft widersprechende, in seiner Aussage unschlüssige Antichrist entzieht sich dem Zuschauer völlig. Ein besonders wildes, unberechenbares Erlebnis ist der Film aber allemal, vor allem in der zweiten Hälfte.
Im Zentrum der Geschichte stehen ein Mann (Willem Dafoe) und eine Frau (Charlotte Gainsbourg), die nicht nur über überraschend wenig Persönlichkeit verfügen, sondern auch nur als „Er“ und „Sie“ im Abspann geführt werden. Zusammen bilden sie ein trauerndes Ehepaar, das ihren kleinen Sohn durch einen schrecklichen Unfall verloren hat. Während sich der rationale und scheinbar gefühlskalte Mann mit dem Verlust allmählich abfindet, wird die psychisch labile, hysterische Frau von ihrer Trauer derart zerfressen, dass sie sich ihren eigenen Tod herbeiwünscht. Der Mann beschließt seine Frau selbst zu therapieren und von ihrem Leid zu erlösen. Dafür reist er mit ihr an den Ort, vor dem sie sich am meisten fürchtet: in den Wald. Sie beziehen ihre frühere Sommerresidenz, eine Waldhütte mit dem Name „Eden“ (kein Scherz!), wo die Frau vor einem Jahr noch an einer Dissertation über mittelalterliche Hexenverfolgung arbeitete. Bald sieht sich das Paar jedoch mit Alpträumen und Wahnvorstellungen konfrontiert, die sie zu immer abwegigeren Handlungen treiben, auch an ihren eigenen Körpern…
Was dann genau passiert kann man nicht in adäquate Worte fassen. Keine Beschreibung der diversen Sex- und Gewaltszenen, sowie Szenen der gegenseitigen Verstümmelung und Selbstverstümmelung, die sich im letzten Drittel des Films mehren, wird den unangenehm realistischen Bildern des Films gerecht. Unterstützt von der fabelhaft atmosphärischen Kameraarbeit von Anthony Dod Mantle, der bereits einige der Dogma95-Filme (Festen, 1998, Dogville) fotografierte und jüngst den Oscar für seine Kameraführung in Slumdog Millionaire (2008) gewann, und dem immer wieder kehrenden klassischen Musikstück „Rinaldo, lascia ch’io pianga“ von Händel kreiert von Trier eine beunruhige, mitunter bewegende Grundstimmung, die zumindest in den ersten bedeutungsschweren Momenten des Films viel verspricht. Doch nach einer ebenso exzessiv melodramatischen wie in ihrer extremen Stilisierung sehr faszinierenden Schwarzweißsequenz und nach der wohl effektivsten Szene des Films, einer hochemotionalen Einstellung aus dem Leichenwagen des toten Kindes auf seine fassungslosen Eltern, verliert der Film jeglichen Bezug zu nachvollziehbaren menschlichen Regungen. Trotz des passionierten Spiels der zwei Hauptdarsteller, bleiben ihre mythisch überhöhten Figuren schablonenhaft, kalt und distanziert. Ihre ermüdenden Dialoge sind anstrengendes Psychogeschwätz, das zu immer kurioseren Schlussfolgerungen findet. Bis sich dann im letzten Drittel des Films eine These über „die böse Natur der Frau“ kristallisiert, die alle Vorwürfe der Misogynie zu bestätigen scheint, die von Trier für seine früheren Frauendramen einstecken musste. Doch während die Protagonistinnen aus Breaking the Waves, Dancer in the Dark und Dogville letztlich als Märtyrerinnen verstanden werden konnten, die am patriarchalen System zugrunde gehen, wenn auch nicht ohne einen letzten bitteren Triumph davonzutragen, so ist der prononcierte Selbsthass der Frauenfigur in Antichrist und das unfassbar alberne, sich als männliche Utopie gerierende Ende des Films einfach nur höchst problematisch.

Unsicher positioniert zwischen Arthouse und Horrorfilm, mag die Handlung von Antichrist zuweilen an Nicolas Roegs ähnlich gestrickten Psychothriller Don’t Look Now (1973; dt. Titel: Wenn die Gondeln Trauer tragen) erinnern. Doch Lars von Triers jüngster Film will weder Genrefans noch dem Arthouse-Publikum gefallen. Er will einfach nur schockieren und aufwühlen, vielleicht sogar zum Nachdenken anregen über das Böse in der Natur und über die "böse Natur" des Menschen. Ob ihm das gelingt scheint angesichts der sehr effektiven Schockmomente des Films vorerst irrelevant. Der Film ist also ein Unikat. Das macht ihn interessant. Der Film 'funktioniert' aber nicht. Das macht ihn ägerlich.