Kenneth Branagh („Harry Potter und die Kammer des Schreckens“ [2002]) ist in der Vergangenheit vor allem durch seine zahlreichen guten Shakespeare-Verfilmungen (siehe etwa „Verlorene Liebesmüh'“ [2000]) in aller Munde gewesen. Doch nicht immer bleibt ein Meister in seinem Element.


Der Film „Sleuth“ aus dem Jahre 1972 wurde von Kritik und Publikum gleichermaßen begeistert aufgenommen, war es doch im Grunde ein Stück, das um eine ganz einfache Idee kreist. Jude Law, gerade auf der Suche nach neuen Filmprojekten, wurde 2003 von Mitproduzent Simon Halfon auf den Ur-Film aufmerksam gemacht. Obschon die erste Verfilmung so, wie sie inszeniert wurde, brillant war und noch bis heute ist, böte er genug Anlauffläche für eine modernisierte Fassung, Platz für etwas gänzlich Neues. In diesem Zusammenhang fiel dann auch der Name von Harold Pinter, eines sehr berühmten Regisseurs und Theaterautors, der von vielen gar als einer der bedeutendsten und einflussreichsten Dramatiker des 20. Jahrhundert gehandelt wird. Wie würde dieser wohl reagieren, wenn ein Jungproduzent namens Jude Law völlig naiv auf ihn zutritt und darum bittet, das Stück von Anthony Shaffer umzuschreiben?


Law erhoffte sich nichts, als er den heutigen Literatur-Nobelpreisträger Harold Pinter, dessen Ruf ihm auch heute noch meilenweit vorauseilt, zu einem unverbindlichen Essen einlud, um ihm die in ihm keimende Idee zu unterbreiten. Überraschenderweise war Pinter sofort Feuer und Flamme und sagte direkt zu, das Drehbuch zu der Neuverfilmung zu schreiben, da die dem Stück zu Grunde liegende Geschichte genau das sei, was er (Pinter) seit 40 Jahren mache. Bewaffnet mit einem ersten Drehbuchentwurf trat Jude Law einige Zeit später an Sir Michael Caine heran, der bereits 1972 eine Rolle in „Sleuth“ bekleidet hatte, und bot ihm an, auch jetzt, 35 Jahre später, eine Rolle in der Neuverfilmung zu übernehmen. Caine war sofort fasziniert von der Idee, entschied sich aber dieses Mal berechtigterweise für die ältere Spielperson, Andrew Wyke, welche damals noch von Laurence Olivier verkörpert wurde, und überließ den Part des jungen, attraktiven Milo Tindle – Caines 1972er-Rolle – dem Mitproduzenten Jude Law selbst. Als dann auch noch Kenneth Branagh als Regisseur an Bord kam, konnte nach vier Jahren Vorbereitungszeit endlich mit den Dreharbeiten begonnen werden.


Das Stück von Anthony Shaffer und auch die Neuverfilmung beginnt damit, dass der Millionär und Thrillerautor Andrew Wyke (Michael Caine) den jungen, attraktiven und erfolglosen Schauspieler Milo Tindle in seiner imposant-modernen Designervilla empfängt. Schon bald liegen die Karten auf dem Tisch. Tindle hat Wyke die Frau ausgespannt und verlangt nun von dem alten Herrn, dass dieser in die Scheidung einwilligt. Doch der Bestsellerautor scheint auf den Moment des ersten Zusammentreffens nur gewartet zu haben. Der Mann, der sich zeit seines Lebens dem perfekten Verbrechen verschrieben hat, plant, seine Vorstellung jetzt und hier in die Tat umzusetzen. Als Motiv muss Wykes betrügerische Ehefrau herhalten, und als Ort könnte es gar keinen besseren als das abgeschiedene Anwesen des Millionärs geben.


So lässt Wyke also zunächst die Forderung Tindles komplett außen vor und unterbreitet seinerseits einen Vorschlag, indem er gewissermaßen Spielregeln aufstellt. Milo, der Mann mit dem so exotisch klingenden Namen, soll die eine Million Pfund teuren Juwelen stehlen, die in einem Safe im oberen Stockwerk des modernen Anwesens lagern, selbige verpfänden und von dem Geld Maggie (Wykes Ehefrau) auch weiterhin ihren mondänen Lebensstil finanzieren. Der alte Mann, der seine betrügerische Ehefrau sowieso aufgrund einer Geliebten „loswerden“ wollte, würde seinerseits die Versicherungssumme kassieren und könnte glücklich und sorgenlos zusammen mit seiner Liebschaft leben, ohne befürchten zu müssen, dass Maggie irgendwann wieder auf der Matte steht, weil sie die Vorzüge ihres alten Lebens wiederhaben möchte.


Milo willigt, da er mittellos ist, in diesen Deal ein, wenngleich ihm etwas Bauchschmerzen bereitet. Und als ob er es geahnt hätte, erweist sich der Einsatz weitaus höher als vormals angenommen, denn Andrew Wyke entwickelt plötzlich, angetrieben vom Gedanken an das perfekte Verbrechen, todernste Ambitionen. Gut für Milo, dass er gut schauspielern kann, denn schon kurz nach Beginn des „Spiels“ ist gar nicht mehr sonderlich klar, wer letztlich als Sieger aus dem Ring steigen wird. Und so scheint der eigentliche Grund des Streits, der Grund für das Zusammentreffen, auch fast vergessen, als sich die gesteigerte Kampfeslust beider Protagonisten zu einem regelrecht extremen Psychoduell entwickelt, bei dem faire Mittel schon lange nicht mehr an der Tagesordnung stehen.


Während die Möglichkeiten auf der Bühne eher eingeschränkt sind, bietet der Film als Medium viel mehr Möglichkeiten, das Gewünschte in optischer Finesse darzustellen. Jeder andere Regisseur wäre wohl auch ausschweifend tätig geworden und hätte damit gerade das zunichte gemacht, was das Bühnenstück von Anthony Shaffer auszeichnete: räumliche Begrenzung und dadurch entstehende Kammerspiel-Atmosphäre. Kenneth Branagh – selber ein leidenschaftlicher Mann der Bühne – sollte sich deshalb als wahrer Glücksgriff erweisen. Aufgrund des eng gesteckten Zeitrahmens für die Herstellung des Films sah sich der Regisseur gezwungen, die Energie des Films durch die Geschwindigkeit, mit der gedreht werden musste, hervorzuholen und die Geschichte weniger durch optischen Firlefanz denn vielmehr die schauspielerische Leistung der Charaktere zu erzählen.


Gleichwohl konnte auch unterstützender Nutzen aus den begrenzten Möglichkeiten des Studiodrehs gezogen werden, indem die moderne Ausstattung des Wyke-Hauses – die imposante LED-Beleuchtung – die gerade dargestellten Gefühle unterstreicht. Wie auf einer Bühne. Bei einem Ausbruch von Eifersucht – einem der vielen Charakterzüge Wykes – herrscht die Farbe Grün vor, während bei Rachegelüsten alles in ein unangenehmes Rot getaucht wird. „Eine höllische Don-Giovanni-Welt“ wurde diese Vorgehensweise von Branagh genannt, und treffender kann man es fast nicht mehr ausdrücken. Das Haus spielt sich gewissermaßen zur dritten Person dieses Zwei-Personen-Stücks auf, als dritter immer anwesender Protagonist, der alles umgibt, alles im Auge hat (man denke an die ausufernde Videoüberwachung im ganzen Haus), und entwickelt so mit der atmosphärischen Farbuntermalung in jeder Szene ein regelrechtes Eigenleben. Was draußen geschieht, ist egal. Hier, im Wyke-Landsitz, entsteht während der in 85 Minuten stringent erzählten Geschichte eine eigene Welt voller Überraschungen, guter oder böser. Hier schließt sich gewissermaßen der Kreis zur Bühnenvorlage, denn selten zuvor fühlte man sich bei einem Film derart daran erinnert, gerade jetzt im Theater sitzend Zeuge eines inszenierten Alptraums zu werden, nur um sich nachher gewahr zu werden, dass es doch „nur“ ein Theaterstück auf der großen Leinwand eines Kinos war.


Viel mehr sollte man auch gar nicht wissen, wenn man sich „1 MORD FÜR 2“ ansieht, denn jedes „Mehr“ würde den Genuss trüben. Der Film, dieser filmgewordene Kampf der Egos, bei dem fraglich ist, ob es überhaupt einen Sieger geben kann, wird getragen von zwei gnadenlos gut agierenden Hauptdarstellern (Michael Caine ist gewohnt souverän, und Jude Law liefert die vielleicht beste Leistung seiner jungen Schauspielerlaufbahn ab) und von Kenneth Branagh und seinem Kameramann Haris Zambarloukos mit solcher Kraft auf die Leinwand transportiert, dass man nach Verklingen des letzten Tons des minimalistisch-genialen Soundtracks aus der Feder von Patrick Doyle nicht umhinkommt, den imaginären Hut für diese ausnahmslos tolle Leistung zu ziehen. Dieser Film ist definitiv weit mehr als „nur“ ein Remake; er ist trotz derselben Grundidee ein eigener, individueller Film geworden. Mal spannend, mal überraschend lustig, aber immer mitreißend, kurzum: Kino, wie es sein sollte!

Chapeau!